lunes, 19 de noviembre de 2007

Love will tear us apart. "Control" de Anton Corbijn


Control , esta dirigida por el ya conocido por sus fotos y videoclips Anton Corbijn (para más información ver este mismo blog el post del video de Nirvana). Basada en el libro “Touchin From a Distance” de la que fue mujer de Ian Curtis, Deborah Curtis. Fue presentada en el último festival de Cannes, curiosamente un día antes del aniversario de la muerte de el cantante a quien se hace homenaje en éste biopic.


El film explora la problemática vida del cantante post-punk y leyenda Ian Curtis, el cual se suicidó en los 80 a la temprana edad de 23 años. La depresión causada por su epilepsia, su prematuro y venido a menos matrimonio, la incontrolable intensidad de sus emociones, su nihilismo, etc. que terminaron consumiendoló, están expresados con prudencia, precisión y respeto en este film.

Dejando de un lado el argumento, hay varias cosas que me gustaría destacar de esta film (obviando la banda sonora). En primer lugar el uso del blanco y negro. Parece ser que Corbijn ha optado por el uso del B/N debido a que en la época en la que se ambienta el film todo era en blanco y negro: los fanzines, las fotos q el propio Corbijn sacaba, los diseños de los discos de Joy Division, etc. Para él los recuerdos de esta época le sugieren el uso de la bicromia. Esto, junto con el gusto exquisito y perfecta ejecución de la fotografía en el film, hacen que Control pueda ser desmembrada en fotogramas autónomos con una belleza individual q roza lo sublime. Se dice del cine q es fotografía en movimiento, y en esencia lo es, pero este es uno de los casos en los que yo diría que es fotografía artística (q muchos confunden como una excusa para mostrar desnudos) en movimiento. Este efecto hace que el espectador se sienta (al menos en mi caso) más que satisfecho, embelesado con la pelicula valorando solo el plano visual.

En cuanto a la interpretación Sam Riley, en el papel de Curtis, raliza un ejercicio magnifico q se mueve en la amplia estela de grises que queda entre la interpretación mimética del personaje (vease Ray) y la creación del personaje a manos del actor (vease Cate Blanchett en el rol de Katherine Hepburn), dota así Riley a su personaje de un trasfondo complejo y contradictorio aunque coherente. También es muy destacable la interpretación de Samantha Morton, una muy buena actriz que aquí hace uno de sus mejores papeles.


Todo esto es para deciros que es una película altamente recomendable, que ha sabido obtener éxito de crítica y publico, y más dificil aún, ha satisfecho a miembros de la propia banda y freaks de ella. No se la pierdan, no les decepcionará. Os dejo con una joya:


Love Will Tear Us Apart (pincha aquí gran canción con video)

sábado, 10 de noviembre de 2007

They Made Me Do It..... DONNIE DARKO

Tanto tiempo sin escribir en el blog, no sabia que decir, no tenia nada que decir hasta hace unos dias. Y es que sí señores vi Donnie Darko, se que para muchos no será ninguna novedad y que ya habrá pasado a los clasicos básicos de culto de muchas de vuestras o colecciones y que a otros les pareceré solo de puntuación de 7 en Filmaffinity pero a mi me ha dejao la cabeza loca, que buena es!. No solo la historia que ya frikis detractores de la película se han encargao de darle un sentido muy concreto y una interpretación a la peli (vease las criticas de éste film en filmaffinity), no necesito explicaciones, la pelicula me hipnotiza hasta límites insospechados sin ellas. No necesito historia cerrada, me vale con intuirla.

Y no solo es la historia. La interpretación de los siempre geniales hermanos Gyllenhaal es muy buena. Pero no solo ellos, la madre de Donnie, Mary McDonell, su novia Jena Malone e incluso Drew Barrymore (que ya es conocida por sus nefasto criterio eligiendo guiones, Ángeles de Charlie, 50 primeras citas, nunca me han besado, etc.) que aunque nos cae bien por ser un mito generacional está de capa caida.

Las imágenes de la peli, los planos, etc. son poesía oscura muy de mi gusto. El guión también bastante subversivo en cuanto a la educación americana, la religión , etc. La banda sonora es una joya, intrinca de manera magistral con las imágenes canciones de Joy Division, Duran Duran , etc. Pero la más destacable la canción de Gary Jules que viste el final de la pelicula (los vellos como escarpias se me ponen). Con esta escena final os dejo:

sábado, 22 de septiembre de 2007

No se lo pierdan: Justice vs Simian "We are your friends"

Igual que después de la tormenta siempre llega la calma (aunq odie citar a Alejandro Sanz), tras las densidades videocliperas llega lo vacuo a este blog. Ni relación del videoclip con la Historia de Arte, ni investigaciones exahustivas. Porque desde q lo vi y lo escuché (que fue hace como una semana) no he podido quitarmelo de la cabeza. Ahí lo llevais (pinchad el vínculo): Cause we are your friends !!

Justice vs Simian: "We Are Your Friends"

sábado, 1 de septiembre de 2007

Investigando videclips: Megalomaniac de Incubus y sus referentes

Incubus Megalomaniac

No lo puedo evitar, soy videoclipero y encima casi licenciado en Historia del Arte, asi que no me lo tengais en cuenta pero el "Lisensiado Guardabrazo" (cuanto daño ha hecho Rafa) se va a poner denso una vez más, jejeje.

En el vinculo de arriba podeis encontrar un videoclip de Incubus, que os puede gustar o no como grupo (a mi me gustan algunas coplas), pero que tiene un par de videoclipes bastante interesantes. Éste en concreto está realizado por Floria Sigismondi, una grande entre los que aún no han tocado el Olimpo de que Label Creator le edite un DVD con sus videoclipes. Conocerán a esta realizadora y artista plástica de otros videos como: Blue Orchid de los Whites Stripes, Tourniquet y Beautiful People de Marilyn Manson, Little Wonder de David Bowie, Fighter de Christina Aguilera, In my secret life de Leonard Cohen y un largo etc. (ya los buscais si os apetece en la wikipedia q están todos). Esta artista tiene una imaginería muy particular, entre onírca (más bien de pesadilla) y surrealista que me crea especial adicción.

El videoclip en cuestión está altamente politizado, tiene un contenido ideológico bastante claro. Es una crítica evidente (aunq original en cuanto a la iconografía particular que crea la autora) a la política de Bush, ya la letra lo deja bastante claro si le echais un vistazo. Sigismondi, partiendo de la base de la canción crea un video muy particular, yo lo llamaría un fotomontaje o collage en movimiento. Y ahí es a donde iba, toda esta brasa que os estoy dando viene al caso porque me da a mi en la nariz que para inspirarse para hacer el video tomo buena nota de los dadaistas alemanes como Heartfield, Hausmann y Höch, en especial de sus fotomontajes. Estos artistas estaban a su vez altamente politizados e implicados con el momento histórico que les tocó vivir (República de Weimar , Hitler, etc.). Por lo tanto me atrevo a decir que Sigismondi establece un claro paralelismo entre Bush y Hitler durante todo el video, utilizando entre otras cosas obras de estos autores. Esto se ve en algunas de las imágenes que os voy a poner:

Ésta es de Heartfield, su nombre Hurrah, se termino la mantequilla y en ella vemos a una familia de orientacion nazi (la pared de detrás no deja lugar a ninguna duda) que esta sentada a la mesa comiendo todo tipo de cosas de metal. El título de este fotomontaje de 1935, hace referencia a una frase que pronunció un general Nazi llamado Goering en un discurso: "el hierro sólo hace fortalecer al país y la mantequilla solo lo engorda". Sabemos que los nazis inviertierón mucho en los metales (maquinaria de guerra, etc). Y en este fotomontaje Heartfield crítica esa postura haciendo referencia a la frase del general. Creo que ya no me tengo q extender más, todo el mundo ha entendido la ironia del fotomontaje no?( es broma ;)) .





En el videoclip Sigismondi reinterpreta esta imagen para traspolarla a la sociedad contemporánea, en particular a los EEUU y la política de Bush. Para ello configura una imagen similar, solo que en este caso cambia el metal por petroleo y derivados. Por si no os habeis fijado en el video os pego algunas imágenes:



Pero no es esa la única imágen q reinterpreta Segismondi, otras muchas de estos dadaistas alemanes están también presentes en la iconografía del videoclip, pero de manera menos explicita, como por ejemplo estas:




No está tan claro, pero se puede intuir esta relación. Por cierto que lo mejor de estos fotomontajes son los nombres. El del mono no lo se pero el de hitler se llama Adolf, el superhombre: traga oro y suelta chatarra, el del esqueleto La siembra de la muerte y el de la mano !He aquí la salvación que nos traen!.

Y ya para rizar el rizo y terminar esta paja mental que puede ser o no, se me antoja relacionar las personas con cabeza de pez del video con Magritte y su cuadro llamado Invención colectiva, y a la niña que se come el pajaro con la obra de Magritte también, en este caso con El placer:



Sea como fuere, te guste o no Incubus o la canción en particular el videoclip bajo mi punto de vista es una obra de arte, esta bastante currado en todos sus detalles y expresa bastante mejor que la letra de la canción el discurso polítco que se deriva ella. El video es más provocador incluso revolucionario en el sentido que no solo crítica una política sino que reacciona contra ella de manera agresiva. Hay muchos mas puntos a tener en cuenta en el video, como la iconografía de la muerte, la imágen-máscara de Cristo que utiliza hitler en un momento dado del video, asi como la manera en q cae la figura de Bush muy parecida a como cayó la estatua de Sadam, etc.

Pues con eso termino lo que pensaba iba a ser una reflexión cortita, pero como habeis podido comprobar uno de mis defectos es mi poca capacidad de síntesis, podría llamarlo incapacidad de sintésis, jejeje. Bueno gracias por leerme y aguantar la chapa que doy.

martes, 28 de agosto de 2007

Investigando videoclips: Heart Shaped Box




Videoclip Heart Shaped Box
Aqui pego un trabajillo de clase q se me antoja interesante, recomiendo ver el videoclip antes y después de la lectura q espero no sea muy farragosa. Arriba las letrillas en verde son el enlace con el video en el youtube.

El disco: In utero

In Utero, título que se eligió después de barajarse varias posibilidades como I Hate Myself and I Want to Die y Verse Chorus Verse, cuenta con trece canciones, una vez excluida I Hate Myself and I Want to Die por considerarse que puede incitar al suicidio. El nombre y la portada del álbum (la cual creo el mismo Kurt) fueron dedicados a la hija de Cobain, Frances Bean, y Courtney Love. Y está directamente inspirado en Don (padre de Kurt), Courtney y Frances.

En éste disco, el grupo intenta demostrar que no han sucumbido ante lo comercial después de Nevermind, recuperando la rabia visceral de su álbum Bleach. Toda una declaración de intenciones en cuanto a la identidad auténtica de Nirvana renegando de comercialismo de Nevermind.

Kurt, Krist y Dave Grohl, dirigen este álbum a su público natural, ignorando a los que se habían dejado llevar por el sonido más accesible de su disco anterior. De esta manera, Nirvana, marcaban la distancia que los separaba de grupos como Aerosmith o Bon Jovi. En definitiva, el álbum estaba realizado para poner las cosas difíciles a su público mayoritario, y es bien recibido por el sector alternativo. La crítica admite a su vez que Nirvana ha dado en el blanco.

In Utero, se caracteriza en sus letras y videoclips, incluyendo Heart-Shaped Box, por un imaginario obsesionado con el nacimiento, la muerte, la sexualidad, la enfermedad y la adicción.

(…) un disperso centrifugado de canciones sucias, de interiores deformes con dolor de cabeza y sabor a labios cortados (…)

Ya pueden descansar Nirvana. El atenazante éxito que casi los mata no volverá a molestarles en bastante tiempo, quiza nunca más (…) Se ha desatado la furia. Los que bailaban con “Nevermind” pero desconocían a Nirvana se irán con la música a otra parte. Los que conocían a Nirvana verán que el grupo todavía puede fabricar píldoras duras de tragar. “In Utero” es un disco muy bueno, sincero y brutal, condenado a las tinieblas por dentro y por fuera. Por favor, que graben el siguiente cuanto antes.

Éste disco, es considerado por algunos como el trabajo más experimental, oscuro y poco convencional de la banda. El primer periodista que escucho el disco llego a decir: “Si Freud pudiera escucharlo, se mearía en los pantalones de emoción”. Lo calificó como un álbum cargado de ironía y perspicacia, la venganza de Kurt.

En términos de ventas, In Utero, se halla siempre debajo del Nevermind. Aun así, el nuevo disco, alcanza el número uno de los más vendidos en las listas británicas y americanas. Llega a vender ciento ochenta mil copias solo en la primera semana. Sin embargo, la discográfica esta descontenta por no ver satisfechas sus expectativas después del éxito del disco anterior. En este disco, la polémica no solo vino dada por el sonido del disco, también la letra de Rape Me y el collage de la contraportada, formado a base de fetos de muñecas (ambas son obra de la mano de Kurt), fueron objeto de crítica. La discográfica hizo un intento de retocar el disco, al que tachaban de suicidio comercial, pero al final solo consiguieron una remezcla nueva de Heart-Shaped Box. In Utero ocupa, hoy en día, el lugar 439 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción: Heart Shaped Box

La letra de la canción Heart-Shaped Box (caja en forma de corazón), surge de la colaboración entre Kurt Cobain y Courtney Love. Este tipo de colaboración venía siendo habitual, como en We feed of each other (nos nutrimos el uno al otro) y Milk it (ordeñalo). Courtney era una letrísta más tradicional y con un estilo menos tenebroso. Pero su sensibilidad moldeó la letra de esta canción, entre otras.

Esta simbiosis artística, hizo de Kurt un compositor más esmerado, que hizo de Heart-Shaped Box uno de los temas más logrados de la banda. El biógrafo de Kurt, Charles R. Cross, afirma incluso que Cobain puso más atención en este tema que en todo el disco Nevermind.

Pero Courtney, no solo influyo en la canción como letrísta, sino que también recae sobre ella el papel de personaje de la canción. La canción alude directamente a la caja de seda y encaje que Courtney regaló a Kurt cuando se conocieron. Con éste disco, Kurt le devolvía el regalo en formato musical.

El tema Heart-Shaped Box sufrió varios cambios, hasta conseguir el resultado que nos ha llegado. En un principio se tituló Heart-Shaped Coffin (ataúd en forma de corazón). Como toda obra de arte, esta canción se escapa a categorizaciones simplistas, y ofrece numerosas interpretaciones, como al parecer brindaba también el autor. Estas interpretaciones se pueden observar mejor en un análisis mas detallado de la letra.

HEART-SHAPED BOX

She eyes me like a Piscis when I am weak

I´ve been locked inside your heart-shaped box for a week

I was drawn into your magnet tar pit trap

I wish I could eat your cancer when you turn black

Hey,Wait

I´ve got a new complaint

Forever in debt to your priceless advice

Hate, Haight

I´ve got a new complaint

Forever in debt to your priceless advice

Hey, Wait

I´ve got a new complaint

Forever in debt to your priceless advice

Meat-eating orchids forgive no one just yet

Cut myself on angel´s hair and baby´s breath

Broken hymen of your highness I´m left black

Throw down your umbilical noose so I can climb right back

CAJA EN FORMA DE CORAZÓN

Me contempla como un Piscis cuando estoy débil.

He estado encerrado en tu caja en forma de corazón

Durante una semana.

Caí en tu trampa de foso de brea magnético.

¡Ojala pudiera comerme tu cáncer cuando te pongas negra!

¡Eh! , Espera

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo.

Odia, ¡Ay!

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo

¡Eh!, Espera

Tengo una nueva queja,

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo.

Las orquídeas carnívoras ahora mismo no perdonan a nadie.

Me corto hasta con el cabello de un ángel y la respiración de un bebé.

Himen roto de vuestra alteza, me he quedado negro. Tírame tu soga umbilical para que pueda volver a mi origen

En el primer verso de la canción, She eyes me like a Piscis when I´m weak (ella me contempla como un Piscis cuando estoy débil), hayamos un significado al relacionarlo con su carta de suicidio. En esta carta Kurt Cobain alude a su signo del zodiaco (Piscis), identifica este signo con la tristeza, la sensibilidad y la insatisfacción.

(…) Sólo hay bien en mí, y pienso que simplemente amo demasiado a la gente. Tanto, que eso me hace sentir jodidamente triste. El típico Piscis triste, sensible e insatisfecho, ¡Dios mío! ¿por qué no puedo disfrutar? ¡No lo sé! (...).

El segundo verso, I´ve been locked inside your heart-shaped box for a week (he estado encerrado en tu caja en forma de corazón durante una semana), en la primera versión escrita de esta canción aparece como I´ve been locked in your heart-shaped coffin for a week (he estado encerrado en tu ataud en forma de corazón durante una semana). Parece ser que a Courtney le pareció una imagen demasiado siniestra y sugirió el cambio.

El tercer verso, I was drawn into your magnet tar pit trap (Caí en tu trampa de foso de brea magnético), podríamos interpretarlo como una referencia a la atracción (se me ocurre que no siempre sana, sino en ocasiones destructiva por los términos en los que lo expresa) que ejerce Courtney sobre Kurt. O quizás esta estrofa puede hacer referencia a la relación de Kurt con las drogas, probablemente ambas interpretaciones sean correctas en un plano pseudofreudiano.

El cuarto verso, I wish I could eat your cancer when you turn black (Ojala pudiera comerme tu cáncer cuando te pongas negra), tiene una interpretación más clara, todo apunta en este caso a que es una manera retorcida de decirle “Te quiero” a Courtney.

El estribillo:

Hey Wait

I´ve got a new complaint

Forever in debt to your priceless advice

Hate

Haight

I´ve got a new complaint

Forever in debt to your priceless advice

¡Eh!

Espera

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo.

Odia

¡Ay!

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo

Parece ser que en este estribillo, la frase “eternamente en deuda con tu inestimable consejo”, la canción hace referencia a una nota que Kurt envió a Courtney en la que decía “te estoy eternamente agradecido por tus inestimables opiniones y consejos”, sonando más sincero en la nota que en la canción.

Tras el estribillo, una frase nos llama la atención por su impacto simbólico. Este verso, Meat-eating orchids forgive no one just yet (Las orquídeas carnívoras ahora mismo no perdonan a nadie), tiene una interpretación clara, aquí una vez más la protagonista es Courtney, quien parece ser afirmó en una entrevista que en esta frase Kurt quiso hacer referencia a su vagina. De esta manera Kurt hace uso del símbolo tradicional de flor identificada con los órganos sexuales femeninos, y va más allá cuando concreta en una flor carnivora. Quizas esto podría relacionarse con las vaginas dentatas del Picasso surrealista, pero en este símbolo de la flor/vagina carnivora, se me antoja personalmente una interpretación castradora.

El siguiente verso, Cut myself on angel´s hair and baby´s breath (Me corto hasta con el cabello de un ángel y la respiración de un bebé), es probablemente una metáfora de la vulnerabilidad extrema, vulnerabilidad provocada por cosas aparentemente inofensivas.

En esta canción vemos como la letra da pie a una interpretación pseudopsicoanalítica, y en ocasiones relacionada con el surrealismo. Un ejemplo de ello son los últimos versos:

Broken hymen of your highness I´m left black

Throw down your umbilical noose so I can climb right back

Himen roto de vuestra alteza, me he quedado negro.

Tírame tu soga umbilical para que pueda volver a mi origen.

Con estos versos, parece que Kurt, en un primer lugar hace referencia a la pérdida de la virginidad, pero expresando un sentimiento de ultraje, profanación de lo sagrado, violación pero en un tono casi sarcástico, como un reproche a Courtney. Y termina con una súplica, quizás dirigida a su madre, a su mujer o incluso a Dios. Esta súplica sugiere una vuelta al origen, a un lugar agradable, protegido, que da paz. De esta manera sugiere una evasión de la realidad, de una realidad cargada de dolor y desasosiego.

Es difícil, aún tras un análisis detallado de la letra, dar con una interpretación de la canción definitiva. Las letras de Nirvana siempre parecen abiertas a una interpretación libre por parte del oyente. No parece existir una interpretación unidireccional de las letras, ya el propio Kurt lo adelantaba en sus diarios:

Mis letras son un gran montón de contradicciones. Se dividen a partes iguales entre opiniones y sentimientos sumamente sinceros y refutaciones sarcásticas y humorísticas, espero, hacia los estereotipados ideales bohemios desfasados desde hace años.

El videoclip

El videoclip de Heart-Shaped Box se entiende mejor, si tenemos en cuenta la colaboración artística que hubo entre el director y el compositor de la canción y líder del grupo Kurt Cobain. Éste último además de componer la canción, tenía bastante claro el planteamiento artístico e ideológico del videoclip.

· Su director: Antón Corbijn

Antón Corbijn, nació en Strinjen (Holanda) en 1955. Criado en una zona fundamentalmente cristiana y protestante, e hijo de un ministro protestante, Antón Corbijn a los 17 años y armado con la cámara de fotos de su padre, hace sus primeras fotos en un concierto de Solution. Inaugurando de alguna manera la relación entre la música y su producción que le ha acompañado hasta el día de hoy.

Más tarde, realiza un curso de fotografía de 18 meses, tras esto se traslada a Ámsterdam, donde trabaja de asistente del fotógrafo Gijabert Hanekroot. Se independiza en 1976, y pronto consigue el puesto de jefe de fotografía de la publicación musical holandesa OOR.

En 1979 se traslada a Inglaterra para estar más cerca de la escena musical. Londres en esas fechas era el hervidero de el post-punk y centro mundial de la música, una vez más la influencia punk le inspira. Por el objetivo de su cámara pasan bandas como Magazine, PIL Ltd, y Joy Division. De esta manera se hace un nombre. Pronto inicia una colaboración con la publicación semanal New Musical Express, que durará hasta 1985.

Su interés por la fotografía surgió de su amor a la música, al principio la fotografía, para Corbijn, era solo un instrumento para llegar a los músicos, más tarde se convirtió en una pasión en sí misma. Hoy en día, Antón Corbijn, es el cronista visual del mundo musical más importante y reconocido. Ha fotografiado a músicos, actores, directores, top-models, etc. Solo una muestra de los protagonistas de sus fotos, nos demuestra el por qué de su excepcional consideración: U2, Depeche Mode, Metallica, R.E.M, Björk, The Rolling Stones, Naomi Campbell, David Bowie, Steven Splielberg, David Lynch, Martín Scorcese, Nicolas Cage, Win Wenders, Quentin Tarantino, Nick Cave, Leonard Cohen, Kurt Cobain, Johnny Cash, William S. Burroughs, etc.

Antón, es más que un fotógrafo para algunas bandas, con las que ha tenido y tiene una estrecha colaboración. Más que destacable es su vinculación con dos bandas claves en la historia de la música contemporánea, como son: Depeche Mode y U2. Para estas bandas ha realizado numerosos videoclips, escenografías, fotografías, portadas de revistas, de discos, etc.

El estilo de Antón Corbijn es purista, duro y directo, sin apenas retoques digitales. Corbijn, expresa a través de las caras y cuerpos de los personajes a los que retrata, la verdad áspera y pura. En sus fotografías tiende a ocultar rasgos de los personajes retratados, de esta manera consigue una imagen reconocible de ellos sin ser evidente. Y a la vez sugiere la grandeza de los personajes a través de sus miserias, de sus debilidades, alegrías y temores ocultos. Las celebridades que retrata están exentas de toda celebridad y llenas de misterio. Coloca al personaje de esta manera al mismo nivel que el espectador, convirtiéndolo en cercano, en un igual, alejándose de la mitificación y la idolatría que suele rodear a personajes de este calibre.

·Kurt Cobain vs Antón Corbijn

A la hora de valorar este videoclip, es importante hablar de la figura de Kurt Cobain, por la implicación artística que tomo en el proyecto. Kurt, a parte de ser el alma mater de la banda como compositor de las letras y cantante, tenía inquietudes como artista plástico desde una temprana edad. No hay que olvidar que era un precoz dibujante, de hecho estudió en una escuela de arte. Incluso una vez obtenido el éxito con su banda llegó a decir que quería dejarlo todo para montar su propia galería de arte.

Además de su destreza en el dibujo, Kurt, contaba con una gran imaginación que ya mostró en su paso por la escuela de arte, donde su inusual creatividad no pasó desapercibida.

(…) [se] pidió a los alumnos que presentaran un objeto en sus distintas fases de desarrollo: Kurt presentó la transformación de un espermatozoide en un embrión. Sus cualidades para el dibujo resultaban ejemplares, pero era su mente retorcida lo que llamaba la atención de sus compañeros de clase.

Esta cita no hace más que recordarnos el mismo tema de la metamorfosis del espermatozoide en feto, visto en la historia del arte anteriormente, como en la Madonna de Edvard Munch.

Kurt, siempre había dibujado obsesivamente y era todo un experto en comics, llego a crear algunos de su propia mano (tanto el dibujo como el guión). Pero más que un pintor convencional, era un creador. Cualquier cosa que tuviera a mano le servia a modo de pincel y con los lienzos se las arreglaba de la misma manera. En lugar de pintura utilizaba lápiz, bolígrafo, rotulador, carboncillo, pintura en spray e incluso sangre alguna vez. No utilizaba lienzo, en este sentido improvisaba de nuevo, era habitual que utilizara como soporte tableros de juegos de mesa antiguos que encontraba en tiendas de segunda mano. También era muy habitual que utilizara su propio semen en sus creaciones plásticas. Más tarde en la década de los noventa, el éxito de su banda y el dinero ganado en ella le posibilitaron el acceso a materiales artísticos más convencionales, llegando a pintar lienzos de dimensiones considerables.

Coleccionaba muñecas y muñecos de acción de forma obsesiva, estas muñecas en ocasiones eran utilizadas en algunas de sus obras (ahorcadas, quemadas, etc.), aunque también en ocasiones terminaban en la parrilla en una barbacoa a lo Soundgaden en su video de Black Hole Sun. Incluso llego a hacer moldes de barro de las muñecas, a las que horneaba y envejecía para después vestirlas de época. Además de utilizar la técnica del collage con soltura, en sus cuadernos de dibujo, observamos que también pinta paisajes dalilianos con relojes blandos, partes del cuerpo pornográficas en criaturas sin cabeza, ilustraciones de extremidades amputadas, alienígenas, guitarras explotando, etc. Una imagen muy común en sus dibujos eran los cuerpos masculinos con vaginas por cabeza, y los femeninos con pene y pechos a la vez.

A pesar de que algunas de estas imágenes parezcan arquetípicas de su actitud contracultural, Kurt se tomaba muy en serio su arte. Tenía una visión morbosa y retorcida. Al igual que las letras de sus canciones, su arte era decadente y retorcido. En sus diarios dejo muchas reflexiones sobre el arte, la lucha contra lo establecido (en un sentido muy cercano al argumento del libro de Chuck Palahniuk El Club de la Lucha), la religión y el aborto entre otros temas. Estos dos últimos temas son fundamentales para entender el discurso ideológico del videoclip que nos concierne.

Con una visión artística muy personal, de cómo va a ser el discurso del videoclip, su iconografía y su estética, y valiéndose de la fuerza de la letra de una de las canciones más elaboradas de Nirvana, Kurt Cobain se lanza a hacer el videoclip de Hear-Shaped Box.

Tras un intento frustrado con otro director, Kurt elige a Antón Corbijn. Se decanta por él, porque buscaba una visión artística en este video, y el fotógrafo holandés accede. Kurt quería que el elemento visual fuera realmente crudo e intenso, por eso escogió a Corbijn como director para su video.

Antón Corbjin, en un principio queda sorprendido, ya que el esta acostumbrado a escribir sus propios guiones para sus videoclips. Más tarde afirmaría que la idea del videoclip fue en un 80% idea de Kurt.

Cobain se sirvió de la experiencia audiovisual de Corbjin y de su visión curtida en la fotografía para llevar a cabo su idea. Pero la idea original de Cobain se enriqueció en el proceso de realización del videoclip, asimilando algunas pincelas y matices que Corbijn añadió, y que causaron entusiasmo en el líder de Nirvana. Las aportaciones fundamentales de Corbijn en cuanto a la iconografía del videoclip, son: por un lado la mujer obesa y la idea de que esta anduviera sobre un camino sin avanzar; y por otro la sustitución de los cuervos reales por cuervos mecánicos.

Cambié algunas cosas. Hubo cosas que hice un poco más desenfadadas, como la escena de las mariposas o la de los pájaros.

(…)Hice pájaros mecánicos y use mariposas de papel. Encajaba mejor. La idea de la mujer gorda fue mía. Hubo cosas que cambié pero el concepto era totalmente suyo.

· El videoclip: Heart Shaped Box

Esta imagen muestra un boceto inicial, de la mano de Kurt Cobain, sobre el videoclip. Éste boceto fue enviado por fax a Antón Corbjin cono guía para la realización del video. Y es de este boceto, de los testimonios del director y del propio Kurt de donde partiremos para el análisis de este videoclip.

En primer lugar, es más fácil desentrañar el contenido del video, si tenemos en cuenta algunos datos biográficos del propio Kurt. Uno de ellos la fijación que tenía en que el escritor William S. Borroughs protagonizara el videoclip.

William S. Burroughs, es el escritor que presidió el panorama contracultural de la segunda mitad del siglo XX. Es conocido por su contacto con la droga, a parte de su faceta literaria ampliamente reconocida. Solía combinar los viajes con la búsqueda desesperada de heroína y la creación literaria. Se ha dicho de sus novelas que son un viaje por y con el mundo de la droga, donde se mezclan alucinaciones y metamorfosis, pesadillas y delirios poéticos-científicos, erotismo y perversiones. Tanto sus novelas como él mismo están cargados de una actitud contracultural, no sólo en lo que se refiere a la droga, sino también en una actitud ideológica en contra de lo establecido.

Este escritor tiene como obra clave El Almuerzo Desnudo entre otras muchas. Además también realizó colaboraciones con músicos, fue también artista plástico y realizó algunos guiones para cine. En los años setenta comienza a ser un mito para los punks, como lo fuera en los sesenta para los hippies y en los cincuenta para los beatnicks.

Tras esta aclaración sobre la figura de Burroughs, entendemos el porque de la fijación de Cobain de que protagonizara el videoclip. El escritor representaba de alguna manera un alter ego de Cobain, por su relación con las drogas, su estilo impregnado de teoría psicoanálitica, su actitud contracultural, etc. Pero Burroughs declinó la invitación a pesar de la insistencia de Kurt que le propuso ensombrecer su rostro para que solo él se percatara del cameo.

Este video fue rodado por expresa decisión de Kurt Cobain en technicolor, luego pasado a blanco y negro, para más tarde ser coloreado a mano fotograma a fotograma. De ahí el resultado final en cuanto al color exaltado se refiere, que dota de una atmósfera delirante e intensa a todo el videoclip.

Ahora pasaremos a un análisis pormenorizado del videoclip para esclarecer el discurso narrativo del videoclip, así como las aportaciones del director y del cantante Kurt Cobain, y las interpretaciones de este videoclip.

El videoclip, comienza en una habitación de hospital rodeada de cortinas, en ésta habitación hay una cama en la que un anciano ajado convalece. Este anciano es alimentado por un gotero intravenoso con un feto dentro. En las baldosas del suelo, enfatizando la situación de la cama se dibuja una cruz latina negra. Al otro lado de la habitación los tres componentes del grupo Nirvana esperan la muerte del enfermo (así lo afirma Kurt en sus diarios), sobre ellos cae un rayo de luz que se filtra por una abertura de las cortinas.

Esto podría interpretarse como una alusión a la espera de la muerte de la religión cristiana, y una crítica a la actitud de la iglesia y del puritanismo americano en la cuestión del aborto. La imagen del feto del gotero, nos lleva inevitablemente a entender que la iglesia y el gobierno estadounidense se nutren del tema del aborto. De esta manera, el planteamiento de Kurt a favor del aborto, y la frustración ante las actitudes contrarias quedan no solo reflejadas en sus diarios y escritos, sino que también (y lo hará durante todo el videoclip) se ve reflejada con una poética macabra en estas imágenes del video. Esto se hace más evidente relacionándolo con sus propias palabras.

Me gusta acabar con el menor de los males.

Me gusta impugnar a Dios.

Me gusta abortar a Cristo.

Me gusta joder a los borregos.

La realidad de la práctica del aborto en este país en estos momento es muy escasa debido al reverendo Randall Terry [pastor evangélico y líder de la Operación Rescate, movimiento reaccionario contra el aborto en Estados Unidos] y a su GESTAPO antiabortista (…)

(…) En la casa de Dios,[Randall Terry] urde una nueva estrategia que resulte eficaz en su cometido como movimiento de fieles temerosos de Dios. Entran ilegalmente en clínica abortistas durante las horas de trabajo haciéndose pasar por pacientes y hacen estallar bombas que despiden un gas capaz de impregnar hasta el último rincón de dichas clínicas, dejando inservibles todos los instrumentos que hay en su interior. Colocan clavos en los aparcamientos de los médicos y el personal de estos centros. Hacen incesantes llamadas telefónicas en tono insultante y amenazador. Se plantan todo el día a la salida de las clínicas abortistas esgrimiendo pancartas y gritando consignas violentas e intimidatorios al amparo de la sabiduría de Dios a todo aquel que se encuentre a kilómetros de distancia, impidiendo físicamente la entrada a las pacientes en muchas ocasiones. Sí, estas personas tienen antecedentes penales, y una habilidad propia de tiradores y terroristas. Le llevan mucha ventaja a su enemigo en este juego. Roban fetos de los contenedores de residuos de las clínicas de aborto y llegan a pasarse de casa en casa centenares de fetos mutilados que guardan en un congelador (…)

Los fetos maltrechos y en descomposición son arrojados luego contra senadores, miembros del Congreso o cualquier representante del gobierno que sea demócrata .Estas personas, que no son sino terroristas, comparten en el fondo las mismas creencias que los supremacistas blancos, que también afirman actuar y abrazar sus ideales en el nombre de Dios.

La siguiente escena se desarrolla en un campo de amapolas en el cual hay una cruz de madera con 3 cuervos en los extremos de los travesaños. Es en este paisaje donde el mismo anciano, esta vez vestido con un taparrabos y un gorro de Santa Claus, coge una amapola y luego por medio de una escalera sube a la cruz, donde adopta una postura de crucifixión. Los cuervos mecánicos, una idea que introdujo Corbjin, flanquean la cara del anciano y parece incluso que en ocasiones intentan picotear al anciano.

Aquí, es evidente la utilización de la amapola como referencia a los opiaceos, mas aún si tenemos en cuenta que en un principio el anciano iba a ser interpretado por William S. Burroughs, y la relación de este escritor con los opiaceos, al igual que la de Kurt Cobain era bastante famosa. También podemos encontrar en las notas preparatorias del videoclip, que el aspecto del anciano del videoclip, es ajado, interesante y con rasgos de yonqui, lo cual no hace más que reafirmar esta interpretación, además de evidenciar un gusto cercano al de Caravaggio en cuanto a la elección de un personaje con rasgos populares o vulgares lejos de toda idealización.

Pero también es importante la imagen de la crucifixión. Esta imagen nos hace reflexionar. Puede tener múltiples interpretaciones, quizás quiera simbolizar el martirio que la droga llega a ser para el consumidor, lo cual tendría sentido y quizás forme parte de ese martirio también los picotazos de los cuervos, enlazando de esta manera con la imagen de la tradición medieval del cuervo que saca los ojos al ladrón en la crucifixión de Jesús. Se establece así un castigo divino por una mala acción o mal comportamiento que, traspolado en este caso al videoclip, simbolizaría probablemente las consecuencias nefastas de la droga. Este sería quizás una interpretación válida. Y en ella encajarían unas palabras acerca de los pájaros que encontramos en los diarios de Kurt Cobain:

[la misión de los pájaros es] La de gritar a pleno pulmón y con una rabia infernal todas las mañanas al alba para advertirnos de toda la verdad. Ellos saben la verdad. Gritándonos al oído nos relatan cruentos homicidios en todo el mundo pero por desgracia no hablamos el idioma de los pájaros.

Pero en esta interpretación se nos escapa un detalle, que es el gorro de Santa Claus. Y este detalle no sería tan esclarecedor de no ser por este dibujo a la izquierda que encontremos en sus diarios. En este dibujo el crucificado, aparece con una calabaza decorada para hallowen por cabeza. Esto me sugiere que lo que se pretendía con el gorro de Santa no es otra cosa que dar un elemento que simbolice Estados Unidos. Tanto la calabaza de hallowen como el gorro de Santa son dos cosas típicamente americanas (aunque ninguna de las dos sean originarias de Estados Unidos, este país ha sido el que más proyección exterior ha hecho de estos elementos).

De esta manera es posible que con el crucificado intentara simbolizar el puritanismo americano, ¿un Cristo disfrazado de americano? o ¿un americano difrazado de Cristo?. Esto hila perfectamente con cómo denomina en su boceto preparatorio a este personaje, “Jesús espantapájaros”. Por lo tanto se establece también aquí una simbología en la que los pájaros son los portadores de la verdad, que Jesús como un espantapájaros no consigue asustar, y que incluso lo martirizan. De este modo se da una inversión del castigo divino, siendo Jesús castigado por la verdad. Esta interpretación parece seguir mejor el discurso narrativo de la primera escena en contra del puritanismo americano y el fanatismo antiabortista, pero también es posible que ambas interpretaciones sean válidas, jugando con la polisemia de esta imagen.

En la siguiente escena, aparece la banda tocando en el mismo paisaje, el tiempo que están en escena coincide con el estribillo de la canción:

¡Eh! , Espera

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo.

Odia, ¡Ay!

Tengo una nueva queja

Siempre en deuda con tu inapreciable consejo

Pero parece que, en el videoclip, el significado de este estribillo traspasa al significado de la letra (ya antes explicamos la relación con una frase que Kurt hizo a su mujer), da la sensación de que en el video se vuelve a relacionar con la religión, y con la queja ante algunas actitudes de ésta. El tono y la expresión de Kurt en la frase “siempre en deuda con tú inapreciable consejo”, no hace más que evidenciar el matiz sarcástico de esta frase que esta vez parece dirigida no a Courtney sino a la religión/Iglesia.

En la siguiente escena aparece un nuevo personaje, una niña aria de cuatro años vestida del Ku-Klux-Klan, y se amplia el escenario, que ahora incluye un bosque con árboles cuyos frutos son fetos. La niña mira los fetos.

La siguiente imagen es una mujer obesa con alas de ángel, ésta anda sin avanzar con los brazos abiertos y una sonrisa, hacia los fetos que cuelgan del árbol. En su cuerpo se vislumbran todos sus órganos como en la portada del disco de In Utero (diseñada también por Kurt). A esta imagen le sucede la misma de la niña aria, pero esta vez la niña salta intentando alcanzar los fetos.

El personaje de la niña es también invención de Kurt. Con la niña aria vestida de KKK se hacer referencia a la actitud antirracista, y en contra de la supremacía del hombre blanco de la que tanto se quejaba Kurt en sus escritos. Al saltar la niña intentando alcanzar los fetos, es probable que el mensaje que quiera transmitirnos esta imagen, esté en relación con la actitud antiabortista de la clase a la que representa la niña. De esta manera, la niña, se convierte en un personaje de alguna manera representativo de la Operación Rescate, que hemos citado anteriormente.

El personaje de la mujer obesa es invención de Corbjin, el la llamaba la madre naturaleza. Las alas de este personaje indican la divinización, la convierten en una diosa de la naturaleza, que con los brazos abiertos y una sonrisa acoge a los fetos, queriendo expresar, a mi parecer, de esta manera que el aborto es asumido de una forma natural por la naturaleza, forma parte de la vida y no es necesariamente malo en un sentido moral. El que podamos ver los órganos de la mujer como si careciera de piel para ocultarlos es una referencia clara a la estética del disco In Utero, ya que la misma idea aparece en la portada de este disco.

La siguiente escena, se desarrolla de nuevo en el prado de amapolas, pero esta vez, en la cruz, el anciano lleva una mitra de obispo. Esto cambia de nuevo el trasfondo de la imagen, para de nuevo situar la religión, más concretamente a la iglesia en el punto de mira de las críticas.

La niña aria se a cerca a la cruz y salta de nuevo intentando alcanzar al anciano. Se unen las connotaciones de ambos personajes, estableciendo una relación entre ambos. Esto sugiere, en mi opinión, cómo el estrato social al que representa la niña ( hombre blanco que cree en la supremacía de su raza, antiabortista, puritano, etc.), intentan alcanzar a un Dios cristiano que no lo es como tal, sino que es una representación manipulada por la iglesia, creen adorar a Dios y seguir sus mandamientos cuando lo que hacen es adorar a una institución con una visión de Dios corrupta por la naturaleza humana. Esta interpretación viene avalada por unos apuntes previos a la realización del videoclip del cantante de la banda, de una escena que no llego a realizarse, en la que el anciano cogía de la mano a la niña, e intentaba retenerla agarrada contra su voluntad.

Coincidiendo con el momento en el que la niña salta intentando alcanzar al anciano, la letra de la canción dice: “Tírame tu soga umbilical para que pueda volver a mi origen“, esto nos da una pista más. Pero tenemos que tener un cuenta que la interpretación de la letra en la canción, sufre un cambio radical al añadírsele esta imaginería en el videoclip, y el significado sufre una metamorfosis radical hacia temas más trascendentes, siendo difícil discernir hasta que punto la letra de la canción está unida al discurso narrativo del videoclip.

En la siguiente escena, la banda vuelve a aparecer, y tocan el estribillo de nuevo, pero esta vez toman como escenario el bosque. Aquí también es importante hablar de un detalle. Kurt durante el estribillo, en un primer plano desenfocado, hace el gesto de pasarse la mano de arriba a abajo de la cara, como cuando se cierran los ojos a un cadáver. Este gesto alude a la muerte, concretamente a la del propio Kurt, ya que como veremos en escenas posteriores, en este video realiza más de un guiño a este tema. La muerte es un tema recurrente en este video.

Tras esto, la siguiente secuencia, es protagonizada por la niña, a la cual se le vuela el capirote. El gorro del KKK al volarse, se convierte en un cazamariposas que persigue a unas mariposas de papel azules (estas fueron idea de Corbjin), para inmediatamente después caer en un charco negro. El gorro al caer en este charco se va tiñendo de negro, hasta estarlo completamente, pero en el proceso no sólo ha cambiado de color, sino también de forma, ahora es un sombrero de bruja que una nueva ráfaga de viento se lleva del charco.

En la siguiente secuencia aparecen varias imágenes. La primera vuelve al hospital, con el anciano en la cama, pero en esta ocasión solo está con él la niña, ésta está de pie a los pies de la cama. Pero la indumentaria de la niña ha sufrido una transformación, esta teñida de negro completamente.

Esto nos lleva a especular, en primer lugar, dada también la transformación que sufre el sombrero en la escena anterior, que puede interpretarse como un desenmascaramiento de lo que representa la niña, una referencia a la doble moral del puritanismo.

Al cambiar el color de la ropa del blanco (pureza, pulcritud, inocencia, infancia, estabilidad, armonía, luz, etc. entre otras asociaciones), al negro antitético por excelencia, parece querer dar a entender la realidad, o su visión de la realidad de este personaje y lo que representa, intenta mostrarnos la otra cara, a lo Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Aunque también puede ser un luto, otra representación del tema de la muerte, por la situación de la niña a los pies de la cama del anciano moribundo. En esta última interpretación de la escena cabría hablar también de la muerte de la Iglesia (por la mitra obispal que el anciano llevaba en la cruz), una Iglesia moribunda que se nutre de fetos (haciendo referencia de nuevo al tema del aborto y la Operación Rescate) para sobrevivir a duras penas.

Con esta imagen se intercalan otras del grupo, una de las más características es la imagen de los tres componentes de la banda esperando la muerte del anciano. Ésta imagen es significativa por un elemento muy concreto, un reloj de bolsillo con el que juega Kurt. Este reloj tiene una obvia significación relacionada con el tiempo, en este caso con el tiempo que se acaba. Aquí vemos de nuevo el tema de la muerte, esta vez aludido por medio del concepto del tiempo que se acaba, la fugacidad de la vida, etc.

La siguiente escena comienza con la “madre naturaleza” que sale de entre los árboles del bosque, andando por un camino. Esta imagen quizás podríamos relacionarla con unas notas de Kurt Cobain, sobre el videoclip, pero redactadas y tachadas antes del la realización de dicho vídeo, en las que hace referencia a la película El mago de Oz, quizás ese camino entre el bosque nos haga referencia a esa película. De la misma manera y en las mismas notas, encontramos que Kurt quería realizar el bosque del videoclip, tomando como inspiración la película Dante´s Inferno de los años treinta.

La siguiente escena, se desarrolla en torno a la figura de Kurt, aunque también se intercalan imágenes de la niña y de la madre naturaleza. Kurt yace dormido, o muerto entre el prado de amapolas, dejando caer de su mano el reloj de bolsillo. Esta imagen está cargada de contenido simbólico (incluso profético en cierto sentido). En primer lugar, estas imágenes nos remiten claramente a la relación de Kurt con las drogas, y en concreto con los opiaceos, que utilizaba para calmar los ataques de su dolencia de estomacal:

He consultado a 15 médicos distintos, y he probado una quincena de medicamentos para la úlcera. Lo único que he visto que funcionaba eran los opiáceos fuertes.

Los opiáceos parecen ser que eran lo único que le daba la paz a Kurt en su enfermedad crónica, es por ello que está dormido entre las flores de opio. La imagen nos recuerda sin lugar a dudas a la Muerte de Ofelia de Millais, y la referencia a la muerte nos queda clara cuando el reloj de bolsillo que sostiene en la mano, cae al suelo, el tiempo se acaba. Lo que empezó como un sueño sanador inducido por el opio, termina con la muerte. Esto coincide con la letra de la canción que suena en ese momento “He estado encerrado en tu caja en forma de corazón durante una semana. Caí en tu trampa de foso de brea magnético.”, haciendo referencia una vez más a la droga.

Pero esta escena no solo se centra en el discurso narrativo de la figura de Kurt, sino que viene reforzada sobre todo por imágenes intercaladas del la niña. Ésta, de nuevo vestida de blanco, aparece en primeros planos, además justo antes de la escena del reloj, aparece andando por el camino que atraviesa todo el paisaje, conduciendo una silla de ruedas (¿para Kurt?, ¿para el anciano?). Y tras la escena del reloj que cae, la niña empieza a sangrar tiñendo el blanco de sus ropas de rojo. Una referencia más a la muerte, quizás del propio Kurt, o incluso de lo que representa la niña.

A partir de aquí se produce un cambio de escenario. Este escenario se inspira en la caja en forma de corazón que da nombre a la canción. El escenario se configura de una habitación a la que le falta la pared a través de la cual observamos la escena, y encima, la forma de un corazón de grandes dimensiones, de color negro con formas blancas, que se asemejan a las ventanas encendidas al azar de un edificio de noche. De fondo un telón rojo.

A partir de esta escena, y ya hasta el final del video, se abandona el mensaje trascendente. Y nos introduce, un mensaje más parecido al inicial de la letra de la canción, que hemos visto en el apartado de “La canción: Heart-Shaped Box”.

Tras esta imagen, el vídeo se centra hasta el final en la habitación del centro del escenario. Ésta, es de un color rojo intenso, y en sus paredes tienen formas de flores iluminadas por detrás. En la habitación, aparte de los tres componentes de Nirvana y en ocasiones la niña, hay una cama, una mecedora y una mesita de noche sobre la cual hay una lámpara y una caja en forma de corazón. El recurso de las flores iluminadas, fue pensado ya por Kurt antes de la realización del video:

Las paredes de la cabaña se ven cubiertas de lirios soberbios son los tallos cortados y pegados a las paredes por todas partes. Cada flor está iluminada por detrás con una luz brillante.

Aquí en la interpretación hay que tener en cuenta, que la flor se utiliza como metáfora de vagina. Courtney afirmó, en una entrevista, que en el verso de la canción, Las orquídeas carnívoras ahora mismo no perdonan a nadie”, Kurt hablaba sobre su vagina. También hay que tener en cuenta que tanto Kurt como Courtney, estaban familiarizados con la teoría de Camilla Paglia, una controvertida feminista, a cerca de la vagina/flora. Quizá con estas flores solo se quería hacer referencia a la vagina por su implicación en la letra, o quizás toda la habitación sea una forma de representación de una vagina.

Durante toda la secuencia de imágenes que transcurren en esta habitación hasta el final del videoclip, lo más destacable es la caja en forma de corazón, que tanto el batería como la niña manipulan, y el elemento del reloj de bolsillo que una vez más esta presente colgado de la cintura de Kurt y balanceándose. Durante esta escena, en la que se repite el estribillo, los componente del grupo aunque en posturas forzadas por el poco espacio, están relajados, menos Kurt que repite el estribillo como si de un delirio de tratara, colmado de ansiedad y con movimientos repetitivos, y actitud en el límite entre la cordura y el delirio.

Este videoclip tiene dos finales. El primero al parecer era una toma larga de un primer plano de Kurt, con Dave y Krist detrás a ambos lados, desenfocados. En esta toma Kurt mantiene una sonrisa forzada para cambiarla al terminar la canción por una gesto serio, reforzando la falsedad de esta sonrisa sobreactuada intencionadamente. Al parecer, según cuenta Corbjin, Courtney estaba encantada con esta toma, y persuadió a Kurt para que fuera ésta la toma final del videoclip.

Sin embargo Corbjin rodó otro final. Éste era igual que la primera escena del video, en el hospital, solo que en esta ocasión Krist se levanta del sillón y abre las cortinas de par en par, dejando entrar una luz cegadora. Aunque el video se estreno en la MTV con el final elegido por Courtney, tras una semana Kurt saco a la luz también la segunda versión con el final alternativo de Corbjin.

lunes, 27 de agosto de 2007

Probando, uno, dos....

Bueno parece q con ayuda hasta un tecnofóbico puede hacerse un blog (gracias Mamen). Bueno, a modo de declaración de intenciones tengo q decir q seguramente en este blog no encontrareis un diario de abordo de mi persona. Pienso dedicarme a poner opiniones, recomendaciones de cine o videoclips, seguramente me pondre espeso en algúno momento como en el trabajo que he colgao de Nirvana, pero es q me apetecia compartirlo, ahora mismo no tiene imágenes por problemas técnicos con el puto windows vista, pero espero poder ponerlas pronto. A lo que iba, q todavia no se de que va a ir la historia, pero espero sea cuanto menos entretenida. En fin que ahora no tengo nada más interesante q poner que lo del videoclip de Nirvana (espero q al menos a algún q otro friki del videoclip o de Nirvana le interese), pero q quereis, estoy de exámenes. Cuando este en Londres otro gallo cantará. Un saludo Tunantes.